Festival de l'histoire de l'art
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Le programme du festival

Workshop rencontres franco-britanniques – Présentation de projets de recherche en cours autour de l’art britannique

02/06/2013 - 10h30 à 12h30 Théâtre municipal - Salle des Fêtes (200 places)

Coordination :
Catherine BERNARD (Université Paris Diderot)
Mark HALLETT (University of York / Paul Mellon Centre)

Session 1 : 10h30 —11h30
—Emily SHARTRAND (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Extramarital Love of the British ‘Other’ in a French Gothic Ivory Marriage Casket”
—Clare BACKHOUSE (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Seventeenth Century Print and Dress”
— Yohan RIMAUD (Université de Bourgogne / Institut National du Patrimoine)
—Heather CARROLL (University of Edinburgh)
“‘Waddling through the fashionable streets:’ Albinia, Countess of Buckinghamshire – body politics, the Body Politic, and misogyny mobilised”
—Beatrice BERTRAM (University of York)
“William Etty and the Royal Academy”
—Eva MAGEAUD (Université Paris Diderot)
« Les portraits de femmes en Angleterre, aux États Unis et en France entre 1880 et 1914 »
—Élise VOYAU (École du Louvre, Paris)
« La photographie de mode dans le magazine The Face, 1980 – 2004 »
11.05 —11.30 : questions et discussion

Session 2 : 11h30 —12.30
—Grégoire HALLE (École du Louvre, Paris)
« Le Moulin de Rembrandt et l’Angleterre »
—Adrien VIRABEN (École du Louvre, Paris)
« Médiations et publics français de John Singer Sargent (1877-1926). Le cas de la presse féminine »
—Jacqueline LENARD (Paris IV — Sorbonne)
— Francesca WHITLUM-COOPER (Courtauld Institue of Art, Londres / Deutsches Forum für Kunstgeschichte)
“Itinerant Pastellists: Circuits of Movement in 18th century Europe”
—Lucy GELLMAN (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Ghost Limbs and Other Things: The Weight of Walking After Waterloo”
—Tim SATTERTHWAITE(Courtauld Institute of Art, Londres)
« Théorie des patterns : une étude sur la répétition visuelle dans les journaux photo-illustrés de l’entre-deuxguerres »
12.00-12.30 : questions and discussion

RÉSUMÉS / ABSTRACTS
Session 1 : 10h30 — 11h30
Emily SHARTRAND (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Extramarital Love of the British ‘Other’ in a French Gothic Ivory Marriage Casket”
The first half of the 14th century saw a rise in the availability of ivory through African trade routes coinciding with Paris as the center for artistic production and patronage. Currently in the Victoria and Albert Museum in London is an example of a secular ivory marriage casket produced in Paris between 1330 and 1340. This casket represents a composite piece containing images from at least eight different stories from romance literature and allegory. On two sides of this casket appear characters specifically from Arthurian Romances, including the knights Lancelot and Gawain from late 12th century author Chrétien de Troyes, and Galahad from the Vulgate Cycle. Here the carvers have made the choice not to draw from Chrétien’s stories on the trials of marriage as their theme, which would have seemed fitting given the caskets purpose as a courtship gift. The carvers instead used the more popular of Chrétien’s stories that represent the sexual power dynamic between men and women in instances of extramarital love.
Despite the Catholic Church disapproving of love and passion out of wedlock, its depiction was highly popular in art, and similar Arthurian scenes appear on various secular ivories produced in Paris. The French nobility were able to justify their consumption of these more problematic tales by equating this type of love specifically with the Arthurian realm. Extramarital love became synonymous with “the matter of Britain”, and King Arthur’s court was placed in not just a foreign land, but in a fantasy one as well. By using Lancelot, Gawain, and Galahad’s adventures, sexual relationships between men and women, as well as the ephemerality of female power, could be investigated while keeping the anti-Christian sentiments locked inside the fantasy realm of the British “other”.
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Clare BACKHOUSE (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Seventeenth Century Print and Dress”
My research analyses the representation of dress in 17th English black-letter broadside ballads. These single text-and-image sheets were one of the cheapest and most ephemeral print products of the period, and now present a number of methodological challenges.
Drawing from scholarship in print, art history, cultural history, dress and commerce, I employ a number of approaches to these difficulties. For example, although we lack consistent information on ballad authorship, I ground my investigation instead in the multilayered relationship that existed between print and clothing as commodities, and the ways this would have informed contemporaries’ reception of ballads.
Moreover, rather than try to ‘mine’ ballads for information on ‘what was worn’, I show how ballads represent the idea of fashion and its associated issues. I argue that seventeenth-century ballad texts charted an increasing acceptance of the proliferation of print and fashion alike, responding not only to significant national events, but also to contemporary developments in sumptuary legislation, religious practice, economic theory and technology.
Ballad images, however, do not ostensibly follow the same pattern. Furthermore, ballad woodblocks are frequently reused across different sheets over long periods of time (which partly explains why most scholars have dismissed them). In order to consider how such images made meaning, I examine them in relation both to their accompanying texts and to a range of representations in other media. Here, I identify shifts in ballads’ visual conventions that suggest new concepts of human subjectivity and changing ideals about the consumption of commodities. On this basis, I then explore how the intersection of ballads with dress informed contemporary constructions of gender, by envisioning new roles for men and women in relation to the consumption of fashion and its importance to national prosperity.
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Yohan RIMAUD (Université de Bourgogne / Institut National du Patrimoine)
Dans le cadre de mon Master, je consacre mes recherches au peintre français Jean-Baptiste van Loo (1684-1745), issu d’une célèbre famille qui a pour souche Jacob, actif dans la seconde moitié du XVIIe siècle, et qui se prolonge jusqu’au XIXe siècle. Né et mort à Aix, Van Loo a vécu en Provence avant de se former en Italie, puis de s’installer en 1720 à Paris où, protégé par le prince de Carignan, il travaille pour les clients les plus prestigieux. Il se forge rapidement une réputation de portraitiste mais aussi, en dépit du peu d’œuvres conservées, de peintre d’histoire et de dessinateur. Son atelier, où passent notamment Dandré-Bardon, Chardin, Trémolières, est l’un des plus importants de la capitale du royaume.
En décembre 1737, ne parvenant plus à s’imposer sur la scène artistique parisienne, van Loo part à Londres – après les Français Nattier, Raoux, Watteau dans les années 1720 –, où il réalise bientôt le portrait de Robert Walpole, puis ceux de ses relations et de la famille royale. Débute alors une véritable « vanloomania » : toute l’aristocratie, les artistes, la bourgeoisie de Londres défilent dans l’atelier du Français, qui accepte cinq modèles par jour et s’entoure d’assistants pour répondre à cette demande incessante. L’artiste reprend dans ses portraits des types hérités de Kneller et, par-delà, de Van Dyck, tout en privilégiant dans les visages une approche psychologique apte à séduire les modèles – qui triomphera, quelques années plus tard, avec Gainsborough. Malade, inquiet, Van Loo finit par rentrer en France en 1742.
Cette période londonienne, rapidement évoquée par ses biographes (Dézallier d’Argenville, Dandré-Bardon, Mariette…), n’a fait l’objet d’aucune recherche spécifique depuis le XVIIIe siècle. Or Van Loo joue un rôle très important dans le développement de l’art du portrait en Grande-Bretagne et de nombreuses œuvres y sont encore conservées, dans les musées et en collections privées. Mes recherches visent ainsi à mieux faire connaître cette période.
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Heather CARROLL (University of Edinburgh)
“‘Waddling through the fashionable streets:’ Albinia, Countess of Buckinghamshire – body politics, the Body Politic, and misogyny mobilised”
Of the many caricatured public figures on display in London print shop windows of the 1780s and 1790s Albinia Hobart, later Countess of Buckinghamshire, was one of the most easily recognisable. Ephemeral in her conspicuous absence from the corpus of research of the eighteenth century, the significant history of this politically-active woman has paradoxically been lost to time. Lampooned for her hedonistic life of excess, Albinia appears to have been an easy target for satirists like Thomas Rowlandson and James Gillray: she was one of fashionable society’s most corpulent women. Despite the British Museum’s collection boasting over 100 prints featuring Lady Buckinghamshire, attesting to her celebrity-status in the late eighteenth century, research surrounding her representation is paradoxically virtually non-existent. This paper seeks to understand Albinia Hobart’s high visibility within the ephemera of graphic satire, arguing that credible answers might lie in the anxiety raised by her accordant high visibility in the public sphere.
Through this concentration on Albinia Hobart’s satirical image, this research will address the explicitly gendered articulation of Francophobic anxieties. Albinia’s reputation as an avid gambler and actress in private theatricals, which were tolerated before the outbreak of the French Revolution, increasingly came under the scrutiny of satirists due to such activities’ association with French aristocrats. Her constant presence in prints during a period which Dror Wahrman (1998) characterised as one of ‘gender panic,’ underlines her controversial lifestyle and subsequent corpulence. This resulted in a satirical trajectory of accusations of Albinia’s indelicacy, visually exemplified by the characterisation of her body being rendered larger and larger, virtually swelling with every new concern of the French Revolution resurfacing in Britain.
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Beatrice BERTRAM (University of York)
“William Etty and the Royal Academy”
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Eva MAGEAUD (Université Paris Diderot)
« Les portraits de femmes en Angleterre, aux États Unis et en France entre 1880 et 1914 »
Après un premier travail d’analyse comparative en 2011-2012 sur la représentation des femmes dans le portrait mondain en Angleterre, aux Etats-Unis et en France entre 1880 et 1914, je poursuis mes recherches sur ce thème cette année à partir d’une réinsertion plus précise des œuvres dans leur contexte.
J’étudie les portraits de femmes en Angleterre, aux Etats-Unis et en France en tant que témoignages visuels de la société fin-de-siècle cosmopolite et des différentes perceptions de la féminité qui en découlent. La question de la relation entre les trois pays et des goûts artistiques qui s’entrecroisent, comme le 18e siècle anglais et français, est évoquée en regard des portraits. J’examine également comment la représentation du corps féminin dans les portraits peut être codifiée, en vue de donner à ce qui est éphémère un semblant d’idéal éternel, dans le contexte d’une société encore attachée à de nombreuses conventions autour de l’apparence. Tout le paradoxe de la période charnière entre les 19e et 20e siècles est également examinée dans des portraits montrant une féminité plus libérée et ambiguë. Au-delà des représentations de femmes que constituent ces portraits, ces œuvres sont également le résultat d’un processus de création particulier impliquant l’artiste, le modèle et le commanditaire, ce qui a un impact sur le résultat final. Ces portraits sont aussi souvent des objets faisant partie d’un ensemble architectural, hissant ainsi le modèle féminin au rang d’élément décoratif et symbolique dans les intérieurs privés et publics des country houses anglaises, des palaces américains, ou des hôtels particuliers français.
Cette notion de décoration du portrait fin-de-siècle est double : au-delà de leur place au sein de l’architecture,
certains portraits développent la qualité décorative des représentations féminines en elles-mêmes, en se liant à l’esthétisme, ou Aestheticism, mouvement originellement anglais qui incarne parfaitement le dialogue cosmopolite entre les trois pays.
Toutes ces questions se combinent ainsi à une confrontation des productions des trois pays afin de montrer comment ces portraits de femmes se révèlent être un creuset de création synthétisant les échanges culturels et artistiques entre l’Angleterre, les Etats-Unis et la France entre 1880 et 1914.
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Élise VOYAU (École du Louvre, Paris)
« La photographie de mode dans le magazine The Face, 1980 – 2004 »
Le magazine The Face, fondé en 1980 par le journaliste musical Nick Logan, fut sans doute l’un des meilleurs représentants de ces nombreux lifestyle magazines qui émergèrent dans les années 1980, prenant leur source dans les énergies contre-culturelles post-punk de l’Angleterre de Thatcher. Au cours des deux décennies qu’il aura parcourues (entre 1980 et 2004), il a développé une identité visuelle très forte et reconnaissable grâce à des directeurs artistiques talentueux tels que Neville Brody, Phil Bicker et Lee Swillingham. Exprimant leur créativité dans une mise en page très libre et novatrice, dans le cadrage, le graphisme ou la typographie, ils ont aussi, en découvrant et lançant de jeunes talents de la photographie, fait du magazine un laboratoire d’invention. Dans une fin de siècle charnière, voyant l’arrivée d’internet et des technologies de retouches numériques, les images reflètent la grande hétérogénéité ambiante, allant de l’homo-érotisme bravache des Buffalo aux néo-humains d’Inez van Lamsweerde, en passant par le réalisme trash des
héroïnomanes de Juergen Teller, ou les cyborgs d’Andrea Giacobbe.
Cette étude d’histoire de l’art s’intéresse donc à ce qui fédère les influences et aspirations esthétiques des contributeurs de ce magazine : la photographie de mode. En effet, les publications du style de The Face, à la croisée de la mode, de la musique, du cinéma et du design, célébrées comme la quintessence du style postmoderne, ne proposaient pas une photographie de mode similaire à celle de Vogue ou Harper’s Bazaar. Plus qu’un vêtement-image (voir la distinction introduite par Roland Barthes dans Système de la mode, en 1967, entre le « vêtement-réel » et le « vêtement-écrit »), leur photographie de mode est surtout le terrain d’expression de photographes, stylistes, directeurs artistiques ou designers pétris d’influences populaires, de hip-hop, d’électro, de new wave, de grunge et de punk. Se nourrissant de tout ce qui est hors des sentiers battus, ils jouent sur l’ironie, le pastiche, la parodie, la citation, le collage, le mixing, le sampling, le détournement, la subversion et le kitsch, le « camp », le cynisme, l’humour, s’amusant de leurs propres
étiquettes post-, sub-, counter-, neo- ou génération x… Ils créent les images par excellence d’une hyperréalité dans laquelle la mode, monde de l’apparence et de la façade, semble se complaire : « The Face is a magazine which goes out of its way every month to blur the line between politics and parody and pastiche; the street, the stage, the screen; between purity and danger; the manstream and the “margins”: to flatten out the world » (Dick Hebdige, Hiding in the Lights: On Images and Things, London: Routledge, 1988, p. 160).

11h05 — 11h30 : questions et discussion


Session 2 : 11h30 — 12h30
Grégoire HALLE (École du Louvre, Paris)
« Le Moulin de Rembrandt et l’Angleterre »
Cette présentation tire son origine d’un mémoire de recherche en cours de réalisation sur la réception du Paysage au Moulin de Rembrandt. Arrivé en 1792 en Angleterre à l’occasion de la vente de la collection d’Orléans, ce tableau entra dans la collection de William Smith à Norwich, puis dans celle du marquis de Lansdowne à une date indéterminée. En 1911, il fut vendu à Peter Widener et entra à la National Gallery of Art de Washington en 1942. Vu comme le paysage le plus impressionnant de Rembrandt tout au long du 19e siècle, le Moulin passa rapidement au rang de production d’atelier. Le débat fut sans fin : en 2006 le Rembrandt Research Project revint sur sa décision et le réattribua au maître.
Il n’en reste pas moins que l’œuvre eut une importance considérable sur l’école anglaise. En observant les productions de Thomas Girtin, Turner, les peintres de la Norwich Society of Artists mais aussi bien d’autres artistes, ce projet de recherche consiste à déterminer ce qui attira, dans le tableau, chacune des personnalités citées quand elles le copièrent, s’en inspirèrent, en parlèrent. Un autre volet de l’histoire du Moulin est plus lié à l’économie de l’art : le prix élevé qu’il atteignit en 1793 (500 guinées) participa de la consécration de Londres comme place forte du marché de l’art européen, et marqua un tournant dans la cote du maître hollandais qui augmenta considérablement en l’espace de quelques années.
Enfin, le Moulin, bien qu’il fût conservé dans une collection privée, fut une œuvre qui, lors de son départ en 1911, apparut comme un symbole d’identité nationale. Son départ fut regardé comme une perte patrimoniale immense, ce qui incita les professionnels du monde de l’art à envisager des mesures conservatrices afin de stopper l’hémorragie d’œuvres qui frappait l’Angleterre – mais aussi les autres pays d’Europe.
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Adrien VIRABEN (École du Louvre, Paris)
« Médiations et publics français de John Singer Sargent (1877-1926). Le cas de la presse féminine »
John Singer Sargent fut sans doute le portraitiste mondain le plus célèbre de l’époque édouardienne, mais une étude de sa réception dans la presse française montre un intérêt plutôt épisodique et éclectique. Cet éclectisme s’accroît avec l’élargissement des discours de presse considérés au cours de ce travail : en dehors des articles artistiques, les chroniques théâtrales, littéraires, mondaines, les articles de mode. Ces différentes formes de médiation sont envisagées comme des creusets d’intérêt commun ou divergent entre le peintre et le monde environnant. Il s’agit donc de dépasser le cadre de la fortune critique pour envisager des formes de médiations différentes.
Dans le cadre du Festival de l’histoire de l’art consacré cette année à l’éphémère, la présentation de ce travail se consacrera en particulier sur l’un de ces médiateurs: la presse féminine. La presse de mode se construit dans la seconde moitié du 19e siècle en intégrant des comptes rendus de l’actualité des beaux-arts, gage de sa prétention artistique. Très vite, le discours de la mode choisit de se distinguer de celui de la critique d’art en focalisant le regard de la lectrice sur ce qu’elle est le plus à même de commenter : la célébrité d’un modèle et sa toilette.
La rhétorique de la mode construit ainsi un œil qui transforme le tableau de Sargent en vitrine de désir. L’œuvre est intégrée à une culture visuelle qui présente à la spectatrice, consommatrice, le rêve d’une vie mondaine, et stimule son goût de l’objet. La presse féminine crée une forme de consommation des œuvres d’art comme des illustrations de catalogue et de magazine. Ce regard est alors condamné en 1905 par Robert de Montesquiou dans un article consacré à l’œuvre de Sargent : « Le Pavé Rouge ».
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Jacqueline LENARD (Paris IV — Sorbonne)
Si l’on se réfère au Grand Larousse Universel, l’anglomanie est « une mode qui consiste à imiter de façon excessive et systématique tout ce qui appartient à l’Angleterre ou rappelle les Anglais » (Grand Larousse Universel, p.483). Au cours de la dernière décennie du 19e siècle apparaît en Allemagne un phénomène d’acculturation similaire, qui eut un impact considérable sur un pays jeune (la réunification datant de 1871) alors en quête d’une identité culturelle et artistique propre. Bien que ce phénomène soit largement admis, aucune analyse ne lui a été jusqu’à présent consacrée.
Conséquemment, nous aimerions montrer par le biais de cette présente étude, que ce point de rencontre récursivement éphémère, transitoire, voire fragile, n’en a pas moins été primordial pour une Allemagne en quête de référant.
Dans un premier temps nous cherchons à sonder la question de la diffusion afin de découvrir pourquoi et comment cet «étranger proche » s’érige et est érigé en exemple de modernité à imiter. La question du Kulturkampf sera au cœur de nos investigations : cette question du dit « combat » pour une identité culturelle et artistique allemande nous mènera à nous interroger sur les enjeux de revendications ethniques, oscillant entre internationalisme et nationalisme. Nous examinerons à cet effet, à partir d’un corpus d’œuvres préalablement étudié, la portée de la dissémination du modèle britannique, se cristallisant dans un bagage graphique anglo-saxon, véritable exaltation tracée de la « modernité ». Regardé, récupéré, absorbé, ce style anglais, « Studiostyle » (1871), semble pourtant disparaître des productions allemandes en moins de cinq ans.
La dénomination de Jugendstil, n’apparaît que tardivement. Jusque dans les années 1905, on parle au contraire de « Studio-style » ou encore de « Studio-ornament », en référence ainsi au magazine The Studio. De ce fait, nous analyserons cette assimilation (et évacuation stylistique), symptomatique d’une volonté de bâtir un art éminemment allemand.
Enfin dans un second temps, nous nous attarderons sur les conséquences de cette anglomanie étroitement associée à un fétichisme de la ligne, magnifiée par une sédimentation théorique de l’esthétique linéaire. Résultant d’une sensibilité conceptuelle commune à l’Angleterre et à l’Allemagne, on assiste vers 1900 à un véritable boom des publications théoriques britanniques, qui célèbre l’entité linéaire comme paradigme de beauté. Emerge ainsi une nouvelle génération d’artistes, concentrant leurs efforts créatifs sur la ligne, qui nous mènera à questionner l’insémination de cette réflexion théorique depuis la publication du texte Line and Form de Walter Crane (Londres: George Bell & Sons, 1900 ; Leipzig, 1901), jusqu’au Bauhaus avec Paul Klee et Kandinsky.
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Francesca WHITLUM-COOPER (Courtauld Institue of Art, Londres / Deutsches Forum für
Kunstgeschichte)
“Itinerant Pastellists: Circuits of Movement in 18th century Europe”
My thesis considers the pastel medium through the prism of movement. It looks at the large number of French and French-speaking pastellists who worked across the length and breadth 18th century Europe, from St Petersburg to Lisbon, London to Constantinople. Pastel was predominantly a French medium in the 18th century: scholars estimate some 2,500 artists and amateurs practising in pastel in mid-century Paris alone.
Many of the most prolific pastellists, however, were marked out by the itinerancy of their practice. Artists such as Jean-Etienne Liotard, Jean-Baptiste Pillement and Jean-Baptiste Perronneau plied their trade at Europe’s largest courts and in its most important commercial cities.
My research asks how both pastel and these pastellists themselves were transformed and translated for different European markets. Acknowledging the circumstances and geography of facture, my research examines the effect of those circumstances on facture: what appeal did pastel hold for the patrons of a given city, what did these different geographies offer the pastellist, and how did he adapt his product to suit a particular market?
In order to address the question of movement in a way that is both specific and general, my thesis is structured in two distinct halves. The first half contains three case studies – London, Vienna, and Amsterdam – which look at the practicalities of establishing oneself as a pastellist in a particular environment. The second half takes 18th century mobility more broadly, situating these pastellists and their work in an historical moment marked by the huge expansion of road networks, the international circulation of goods, and the birth of tourism and travel. Methodologically grounded in the social history of art, my research privileges the pastel medium, with close formal analysis of the works themselves playing a strong role in the generation of my thesis.
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Lucy GELLMAN (Courtauld Institute of Art, Londres)
“Ghost Limbs and Other Things: The Weight of Walking After Waterloo”
My research addresses French, British, and Belgian depictions of wounded soldiers, particularly those on whom amputations were performed, during and after the watershed battles of Eylau (1807) and Waterloo (1815), placing the massive battle painting of Antoine-Jean Gros (1771-1835), surgically-focused watercolours and etchings of Charles Bell (1774-1842), and genre scenes of Constantin-Fidèle Coene (1780-1841) directly in conversation with each other. In writing on these three artists and their respective approaches, I am particularly interested in viewing disabled masculinity from a psychoanalytic angle, exploring the stump as a site of anxious masculinity and rather crude post-Napoleonic prosthetic as both an external locus of phallic power and signifier of its absence.
I first consider amputation as a failure of medicine and masculinity in Gros’ Napoleon sur la Champ de Bataille d’Eylau (1808), setting into motion a temporal framework that begins and ends with massive Napoleonic losses. After exploring the French surgeon figure as an extension of Napoleonic shortcomings, I devote special attention to three wounded enemy legs in the painting, probing for the first time in Eylau scholarship what they might mean for French post-revolutionary masculinities.
Following Gros, I explore Bell’s surgical drawings after Waterloo, used as teaching tools for his students, and Coene’s Imaginary Meeting of Arthur Wellesley, Duke of Wellington (1769-1852) and Henry William Paget, 2nd Earl of Uxbridge, later 1st Marquess of Anglesey (1768-1854), after the amputation of his leg in 1815 (c. 1820) to establish amputation as a catalyst for new homosocial relations and paradigm shifts in masculinity.
In keeping with the Festival’s “ephemera” theme, the research poses questions that relate more generally to issues of permanence: what does it mean when a limb, intended to be a necessary and given extension of one’s body, is rendered temporary?
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Tim SATTERTHWAITE(Courtauld Institute of Art, Londres)
« Théorie des patterns: une étude sur la répétition visuelle dans les journaux photo-illustrés de l’entre-deuxguerres »
La théorie des patterns est une méthodologie proposée pour l’analyse critique du groupement perceptuel dans les images. Pattern entend ici le groupement, par le système visuel humain, d’éléments d’un champ visuel qui se ressemblent en forme, couleur, orientation (parallélisme) ou proximité. L’approche est fondée sur les principes Gestalt de l’organisation visuelle. Pattern comprend par cette définition les motifs réguliers des arts décoratifs et de l’architecture, ainsi que les répétitions, symétries et parallèles qui se montrent dans les images. Le mot anglais est proposé ici car il paraît n’y avoir aucun terme équivalent en français.
La théorie des patterns cherche à analyser les structures répétitives qui peuvent caractériser une culture visuelle. Ma présentation décrit l’application de cette approche à la culture de masse de l’entre-deuxguerres, une époque dominée par les régularités et répétitions du modernisme. Les configurations géométriques composées de grilles, courbes dynamiques et diagonales symbolisaient la promesse d’un avenir utopique, dans lequel la technologie et la rationalisation amènerait une transformation économique et l’harmonie sociale. Les pattern-formes de la photographie moderniste et du graphisme, qui entrèrent dans la culture visuelle populaire à la fin des années vingt, étaient des métaphores visuelles de l’ordre social futur.
La presentation fournira une introduction brève aux principes du gestaltisme, en montrant comment ces propriétés perceptuelles se manifestent dans la structures des images. Je dirai que l’analyse du groupement visuel offre des aperçus saisissants à la lecture critique, disant que cela permet l’historien de l’art de décrire, en termes fonctionnels, les qualités de l’ordre et désordre visuel dans l’image. Comme outil généralisant, la théorie des patterns permet un moyen d’observer la répétition de structures visuelles fondamentales et d’explorer leurs dimensions symboliques.

12h00 — 12h30 : questions et discussion

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